Multiples of Stupor

“Los sonidos nos definen, nos abrazan, nos llevan lejos. Ellos nos comunican, nos llaman desde todo el mundo. No podemos cerrar los oídos”.

~Trevor Cox

Escuchar es una de las grandes experiencias activas del ser humano. Una habilidad que nos acompaña desde el nacimiento pero que se pierde a medida que se avanza en años. Oír, por el contrario, es una experiencia pasiva en la que los sonidos pueden o no ser captados y luego enviados al cerebro como estímulo. Los oídos nos permiten registrar ondas sonoras del aire y procesarlas como información. Sin estos, muchas de las ondas serían imperceptibles y los sonidos altos sólo se advertirían por la vibración en la piel.

Aunque con el tiempo nos hayamos olvidado de prestarle atención al vasto mundo de los sonidos, pues el predominio de lo visual ha opacado el sentido de la escucha, hay sonidos que nos intrigan. La obra de Lucrecia Dalt, expuesta actualmente en el Laboratorio de experimentación sonora del MAMM, da cuenta de ello. Multiples of Stupor es una instalación que utiliza el sonido como elemento para investigar el comportamiento de los oyentes frente a los efectos sonoros. Esta, invita a escuchar de manera activa y no pasiva, haciendo que los visitantes sean partícipes de la exploración poética y psicoacústica propuesta por la artista.

Lucrecia Dalt

Moléculas de sonido, ecos, cascabeles, crujidos, fragmentos de silencio, distorsiones, murmullos, susurros, respiración y voces sintéticas se expanden por el espacio expositivo haciendo que al ingresar en él se sienta como entrar en otra dimensión temporal y perceptiva. Las vibraciones de ese lugar transitorio y liminal propulsan el movimiento de los cuerpos, activando diversas sensaciones. Escuchamos una cosa y rápidamente cambiamos la atención de un sonido a otro. Así es posible sentir la vibración sonora como esencia de todas las cosas, incluyendo de las células del cuerpo humano. La frecuencia vibratoria de cada sonido en particular conduce a interiorizar en el vacío de la consciencia. Perplejos por la oscuridad del espacio, comenzamos a escuchar con mayor consciencia, y mientras más escuchamos, más aprendemos a oír.

Es así como en esa caja negra, en la que se ha transformado el Lab3 para la instalación, junto a la atmósfera envolvente y sombría generada por el sonido, se presentan diversas posibilidades perceptuales. Mientras nos desplazamos por el espacio, una luz en el medio de la sala se va haciendo cada vez más visible; ésta se proyecta desde el techo y refleja un cuadro de luz en el suelo. Es en ese momento que nos percatamos de la existencia de energía en sus tres formas: luz, sonido y vibración.

Lucrecia Dalt

Multiples of Stupor está compuesta por un sistema de varios altavoces ubicados a lo largo del espacio, los cuales se caracterizan por proyectar el sonido a manera de haz. Uno de ellos le otorga movilidad al sonido, y esto combinado con las estructuras convexas del techo y las condiciones acústicas del laboratorio, promueve una dinámica sonora muy particular. Es dicha espacialización del sonido la que induce el movimiento, tanto interno como externo, de los cuerpos que allí deambulan. A partir de los efectos de tonos y timbres que van ascendiendo en volumen, la reducción gradual del sonido y la luz, así como del diminuendo de voces que se desliza poco a poco hasta llegar a un débil susurro, persiste una masa de sonidos con pequeños fragmentos de energía sonora.

La propuesta poética-sonora de Lucrecia Dalt es una exploración contemporánea de la experiencia psicoacústica, de cómo un vasto campo de fuerzas sónicas afecta nuestra psique y nuestro cuerpo. Esta interesante instalación en la que confluyen investigaciones sobre ciencia, tecnología y estética, tiene como objetivo primordial amplificar la experiencia de la escucha como acontecimiento sensorial, perceptivo, creativo y poético.

Es necesario ir más allá del predominio visual de la actualidad para experimentar con otros sentidos, especialmente con el de la escucha. Por eso, esta muestra debe ser visitada no solo por aquellas personas cuyos oídos entrenados son capaces de discernir sonidos, sino también por quienes no están acostumbrados al mero acto de escuchar, a disponerse a la escucha atenta separada de cualquier otra actividad. De aquí, quizás los visitantes salgan escuchando el mundo a su alrededor como si fuera la primera vez.

La exposición estará abierta al público hasta el 2 de febrero de 2020, y adicionalmente concierto de la artista el 3 de diciembre el Teatro MAMM a las 7pm. Será una noche cargada de música electrónica, sintetizadores, voces poéticas y atmósferas envolventes de sonido a cargo de Lucrecia Dalt y con Daniel Gómez como invitado especial, quien presentará un concierto de música generativa.

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Hyper-Rainforest

Una inmersión sonora en el MAMM

“El sonido como fuerza espiritual, como forma de penetración, en conexión con una realidad mucho más profunda que la de la simple representación”.

~Francisco López

Artículo publicado en el El Mundo

Francisco-mamm

Los oídos nos informan con exactitud sobre la realidad. Así esta tenga tres, cuatro o más dimensiones, la podemos escuchar. A diferencia de los ojos, los oídos no pueden cerrarse mientras se vive. Escuchar equivale a vivir. Las situaciones o lugares adecuados para la escucha atenta, facilitan el ingreso a ese territorio interno de los sonidos y pueden dar cuenta de una dimensión mucho más consciente de la existencia.

Capas de sonidos simultáneos e intensos de criaturas y de muchas especies animales, alternancia de frecuencias altas con bajas y apacibles, y reproducciones de tormentas y lluvias con ritmos espaciosamente agradables, en una dinámica que presenta cambios sonoros graduales e inesperados, es lo que se aprecia en la instalación ´Hyper-Rainforest` del artista Francisco López, actualmente expuesta en el Laboratorio de experimentación sonora (Lab3) del Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM).

Los sonidos de la densa vegetación de selvas y bosques tropicales lluviosos de varios lugares del planeta, se despliegan aquí para generar un cambio en el tipo de escucha, además de presentar un abanico de posibilidades que nos enfrentan a una situación distinta con respecto a la realidad. Grabaciones de Australia, Argentina, Brasil, Costa Rica, Cuba, Gambia, Japón, México, Nueva Zelanda, Sudáfrica y Venezuela, que abarcan un período de 20 años de trabajo del artista, constituyen la evidencia de un mundo naturalmente acusmático, una situación en la que es posible escuchar elementos sin que sus causas sean visibles. Dicha imposibilidad de localizar visualmente las causas de los sonidos ocurre de forma natural y sistemática en los bosques tropicales lluviosos.

Al ingresar en la sala que alberga la obra, nuestra disposición mental cambia, y casi de inmediato, comenzamos a disfrutar de la experiencia inmersiva que Francisco López ha propuesto con este maravilloso viaje a través de los sonidos. Puede que en una primera instancia nos preguntemos acerca de la procedencia de los mismos, pero tan solo unos cuantos minutos son suficientes para que el intelecto entre en consonancia con las sonoridades presentes y se dedique a la contemplación absoluta. Sentimos los cambios repentinos y los detalles sorpresivos de sonidos a lo largo de 70 minutos de reproducción continua -en bucle-, provenientes de 5 altavoces (uno en cada esquina, uno central y dos subgraves) ocultos detrás de cortinas negras. El doble sistema 5.1 -sistema clásico que se desarrolló originalmente para el cine- junto a la configuración y organización perfecta de los detalles de la sala, hace que el sonido sea realmente extraordinario. La iluminación tenue funciona como una vía de acceso al universo sonoro, y al mismo tiempo, es el camino de ingreso al interior de los oyentes, para quienes las manifestaciones sonoras de este tipo son difíciles de percibir en otras circunstancias. La experiencia es superior y mucho más intensa a la que pudiera tenerse en el medio de la selva, ya que aquí no existen las distracciones físicas que impiden la escucha calmada, minuciosa y consciente. Por lo tanto, es posible que se perciban mejor los sonidos y solo por esa razón es concebida como una instalación hiperrealista. Además el hiperrealismo, un concepto importante para comprender esta obra, se refiere a la no pretensión de simular un lugar o una situación. Es así como ´Hyper-Rainforest` nos introduce con mayor profundidad debajo de las capas de la realidad que no tienen que ver ni con la representación ni con la simulación.

Ya que la pieza no intenta reproducir la realidad natural y original de los lugares, sino recrear lo que López denomina hiper-realidad (un mundo sonoro virtual auto-suficiente), esta indaga en la dimensión trascendental de la materia sónica misma, que podría traducirse como una interpretación ontológica, existencial y espiritual de la escucha profunda, la cual nos ayuda a penetrar en una realidad menos obvia que la simulativa o representacional.

Para el artista Francisco López, quien es reconocido internacionalmente como una de las figuras más relevantes de la música experimental y el arte sonoro, los sonidos también son cosas, independientemente de quién o qué los produjo. Son entes, existencias tan reales como las causas que los produjeron. Con ´Hyper-Rainforest` alcanzamos una inmersión total en los sonidos, una suerte de fusión con la realidad intrínseca de los sonidos-objetos; por lo tanto, esta experiencia puede comprenderse como una forma de distanciamiento de la realidad inmediata, al establecer un vínculo con nuestro templo interno, donde predominan las sensaciones y los sentimientos generados por el ambiente sonoro.

´Hyper-Rainforest`

Abierta al público desde el 10 de octubre hasta el 12 de noviembre.

Sala de experimentación sonora (Lab3)

MAMM

Polifotonía en el Mamm Medellín

“Todo lo visible se aferra a lo invisible, lo audible a lo inaudible, lo tangible a lo intangible; quizás lo pensable a lo impensable”.

~Novalis

Artículo publicado en el El Mundo

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Objetos escultóricos vibracionales. Híbridos que cruzan los límites entre ciencia, arte y tecnología, que manejan ritmos, formas, texturas, densidades y frecuencias no audibles. Una instalación que presenta luz, colores, vibraciones y longitudes de onda, como una obra de arte concebidas musicalmente, mezclando rigurosidad con refinamiento estético.

Así la escultora de sonido Alba Fernanda Triana establece un puente entre lo auditivo y lo visual, al interesarse en los elementos intangibles e indagar en lo que no puede ser percibido. La instalación, Polifotonía, expuesta en el Laboratorio de experimentación sonora (Lab3) del Museo de Arte Moderno de Medellín (Mamm) a partir del próximo 5 de diciembre de 2018, consiste en tres esculturas que evocan instrumentos musicales, compuestas por ondas que se despliegan en múltiples voces de luz. Este trabajo ofrece una manera diferente de percibir el sonido, por medio de componentes visuales y vibracionales como vía para establecer un diálogo entre los espectadores y el espacio. El título Polifotonía hace referencia al término musical polifonía (múltiples voces) y foto, el prefijo que alude a la luz.

La artista explora poéticamente los patrones naturales y característicos de las vibraciones, mostrando las propiedades físicas de los objetos en tres esculturas. Cada una de ellas integra una cuerda, un afinador y un parlante. A través del parlante, una señal de audio excita la cuerda, haciendo que esta adopte la forma de una onda sonora simétrica y visible, formada por dos antinodos ovalados. Como en una suerte de lienzo, se refleja una luz que al densificarse gradualmente incorpora nuevas voces. De esta manera, se efectúa un proceso de interacción e interferencia entre las ondas luminosas que se repite cada 23 minutos. Las diferentes frecuencias de una misma pieza se sincronizan periódicamente en grupos o en tutti.

Aunque no se escuchen los sonidos, existe un movimiento musical descrito por cada escultura, precisamente en la amplificación de las vibraciones de onda. Todos los cuerpos físicos vibran y los colores no son sino la manera en que el ojo percibe diferentes frecuencias o longitudes de onda. El color de los objetos proviene de la manera en que absorben o transmiten la luz, obstruyen ciertas frecuencias y dejan pasar otras. Aisladas y tratadas de manera independiente, las ondas vibratorias de las esculturas en Polifotonía producen cierta coloración como respuesta a la luminosidad.

Con esta instalación se redefine el concepto tradicional y contemporáneo de lo sonoro, de modo que el Lab3 del Mamm se convierte en un laboratorio donde convergen distintas disciplinas. Música, luz, color y movimiento se funden en una indagación poética de las vibraciones provenientes de nuestra naturaleza. Al explorar la manera en cómo las ondas inaudibles son perceptibles para los sentidos humanos, la obra nos recuerda que tanto el sonido como la ausencia del mismo ha sido fuente de inspiración de muchos artistas a lo largo del siglo XX y estos constituyen algunos de los precedentes de la obra de Triana. 4’33”(1952) de John Cage, una pieza en la que el músico se sentó frente a un piano durante cuatro minutos y treinta y tres segundos sin hacerlo sonar, constituye una de las primeras evidencias de que el sonido puede encontrarse en cualquier parte, incluso en el silencio. Symphonie Monoton-Silence (1957) de Yves Klein, cuyo segundo movimiento consistía en veinte minutos de silencio, era la equivalencia sonora de las pinturas monocromas del artista. Zen for Record (1966) de Ken Friedman, una grabación en blanco en homenaje a Zen for Film (1964) de Nam June Paik, consistía en una película de 16mm que solo mostraba una pantalla blanca con rasgados y titileos ocasionales. Cage utilizó el silencio como parte de sus composiciones musicales y Paik utilizó la ausencia de imagen como obra de arte. En ambas se evidencia una especie de sensibilidad Zen, que incentivaba la introspección meditativa. Con Polifotonía (2018) de Alba Fernanda Triana, se parte de la luz y el movimiento vibracional para que el espectador pueda extraer de los sonidos internos, generando así una experiencia introspectiva.

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En este trabajo advertimos que la ausencia de algo indica también la presencia de otros elementos, los cuales sirven para construir un camino entre el mundo exterior fenoménico y el interior del espíritu. Polifotonía apunta a la creación artística en otro ámbito, en el que las vibraciones sonoras silenciosas permiten expandir el concepto de tiempo y espacio como un continuum vital, pues estamos vinculados al espacio en la medida en que las vibraciones de las esculturas se expanden alrededor de la sala e interactúan con nosotros. Se trata entonces de un planteamiento poético más que musical.

Al mismo tiempo, el silencio puede interpretarse como una especie de vacío existente en el espacio, y es un elemento necesario para que otros sonidos se hablen entre sí, aquellos que no percibimos. Al entrar en la sala de experimentación sonora podemos apreciar la integración del silencio y los elementos visuales, junto a un fenómeno acústico inherente al espacio-tiempo. Una atmósfera capaz de desatar las propias experiencias internas partiendo de los movimientos de las ondas. La instalación da cuenta de cómo todas las vibraciones, aun las inaudibles, generan experiencias que desarrollan una conexión más precisa con el mundo y que resuenan con el alma humana. Dedicarse a la contemplación de esta obra y experimentar con el espacio compuesto por luz y vibraciones, significa estar de acuerdo con John Keats de que ¨las melodías escuchadas son dulces, pero aquéllas no escuchadas son aún más dulces¨.

La exposición estará abierta desde el 5 de diciembre de 2018 hasta el 17 de febrero del 2019.

Todo es Hercio

Un recorrido por la exposición temporal “Rarae Aves” de Alejandro Duque.

¨Take a walk at night. Walk so silently that the bottoms of your feet become ears.¨

~Pauline Oliveros

Publicado en el El Mundo

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La lluvia, el viento, el canto de los pájaros, el ladrido de los perros, el ronroneo del transporte público, las sirenas, las palabras de los vendedores ambulantes, el repicar de los teléfonos celulares, conforman el paisaje sonoro del acontecer diario. Pero, ¿qué pasa con los fenómenos que son inaudibles? Como seres humanos, no tenemos la capacidad para percibir otros sonidos que forman parte de la existencia en este planeta. Este es el caso de los sonidos de las ondas electromagnéticas que se producen a partir de actividades atmosféricas de naturaleza extraña. Escucharlos puede brindarnos otra forma -radicalmente distinta- de comprender el mundo. Al mismo tiempo, estos pueden conducirnos a una reflexión profunda acerca de los prodigios del mundo físico, que nuestra percepción limitada y unida al ajetreo de la cotidianidad, hace imposible aprehender.

La exhibición Rarae Aves, que actualmente se presenta en el Lab3 del Museo de Arte Moderno de Medellín, nos brinda la posibilidad de hacernos conscientes de un patrón existente en la naturaleza, como lo es el de la radio natural. La instalación está compuesta por antenas ubicadas en el espacio de audición (Lab3) y la terraza del Museo. Estas captan, manipulan ondas y campos electromagnéticos a partir de la interacción con las señales de aparatos móviles, satélites y radio. Se trata de una propuesta audaz del artista Alejandro Duque, quien trabaja con el arte de “los nuevos e inestables” medios, en la que investiga acerca de la energía en expansión presente en la sonosfera.

Pauline Oliveros empleó la palabra sonosfera por primera vez a finales de la década de los sesenta. Oliveros, una de las figuras centrales en el desarrollo de la música electrónica y experimental, definió así a la atmósfera compuesta por diferentes ondas que emanan desde el centro de la tierra; ondas formadas por varios tipos de descargas como las de la energía magnética, eléctrica, electromagnética y cuántica, incluyendo también las de la energía acústica.

Con esta instalación, el artista intenta expandir el concepto de Oliveros, pero partiendo de una naturaleza sonora que va más allá de lo acústico, cuyo objetivo es hacer audible lo inaudible a través de mediaciones tecnológicas. Sin embargo, esta propuesta no debe entenderse como una búsqueda científica, se trata de una muy individual, en la que el artista encuentra un lugar de ruptura con la manera habitual de pensamiento, promoviendo de esta manera la experimentación introspectiva. Si nos sentamos en el medio de la sala, con los los ojos cerrados y en una postura erguida, nos damos cuenta de que nuestra columna también funciona como una antena que conecta la energía de la tierra con la de la atmósfera. Nuestro cerebro penetra en las ondas más profundas de cada una de las capas que conforman los sonidos e identifica así una melodía agradable, por detrás de lo que podría parecer un “ruido ordinario”.

Dado que el laboratorio de experimentación sonora (Lab3) cuenta con las condiciones físicas que permiten que los visitantes entren en un estado de quietud, favorable para la inmersión profunda en los sonidos, el oído se acostumbra con mayor facilidad a las frecuencias de las ondas electromagnéticas de esta instalación, más que en cualquier otro lugar. El Lab3 cuenta con un sistema de insonorización adecuado para ese propósito, con paneles de acondicionamiento acústico y varios sistemas de sonido que se ubican estratégicamente en los alrededores.

Para esta propuesta el espacio expositivo se ha adaptado con un sistema de espacialización sonora (múltiples altavoces), sistemas de visualización del espectro y algunos aparatos como receptores VLF (very low frequency), los cuales producen ondas muy largas y monitorean los fenómenos de la ionosfera. Hay antenas y una caja de aluminio (caja de Faraday) dispuesta en el centro, que bloquea el campo magnético externo y protege a un pequeño cactus de las descargas eléctricas. Las ondas electromagnéticas captadas por las antenas, y que en principio son imperceptibles para los seres humanos, son manipuladas en un computador y a través de aparatos para el procesamiento de señales. Así se escucha la actividad de la atmósfera. El resultado es coro aural (una especie de ruido blanco o ruido de estática).

Así como un ornitólogo pocas veces puede ver a las aves, por lo que debe recurrir al registro de los cantos trazados en un espectrograma; nosotros, los visitantes privilegiados, podemos recurrir al paisaje sonoro inaudible e invisible presente en la naturaleza por medio de esta instalación. Sin duda alguna, para cada persona será una experiencia única e intransferible si se dispone a enfrentarse con lo raro y fuera de lo común.

Esta es una invitación a reflexionar a través de una estética sonora, de los campos y de las magnitudes de onda, sobre nuestra realidad como seres humanos. En este espacio podemos formar parte de la experiencia del propio artista y quizás llevar la exploración de lo inaudible un paso más allá, al abrirnos a la posibilidad de escuchar con otras partes del cuerpo, tal vez a partir de la vibración que se siente en las palmas de las manos, o en la corteza cerebral, una vez que se ha permanecido en el lugar por más de cinco minutos; y, ¿por qué no? dar pie a nuestro propio análisis acerca de una nueva forma de estar en el mundo.

El Lab3, inaugurado a finales del 2014, es un espacio único en el país para este tipo de prácticas creativas, que apuestan por las artes electrónicas y el sonido como elemento primordial. Con Rarae Aves se demuestra una vez más que el reto a nivel curatorial e investigativo de este laboratorio de experimentación sonora, se está logrando de manera exitosa.

Bioarte en el MAMM

Micro-Ritmos, instalación sonora del colectivo mexicano Interspecifics  conformado por Leslie García y Paloma López (Lab3, Museo de Arte Moderno de Medellín). 
Artículo publicado en el El Mundo 
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Los seres humanos poseemos limitaciones a nivel sensorial; no tenemos la capacidad de aproximarnos a la realidad más allá de lo que capta nuestra visión, nuestros oídos y demás sentidos. Pero estos últimos pueden expandirse  a partir de la tecnología,  el arte y las variaciones vibratorias de electrones y protones, producidas por la energía interna de la naturaleza. Esta se aloja en todas las formas de vida y su movimiento vibratorio tiene un potencial sonoro. Las bacterias, como primeras manifestaciones de vida en la tierra, son microorganismos que contienen vibraciones particulares, por lo que representan una dimensión de la realidad con la que podemos interactuar a través del sonido. La obra Micro-ritmos, se detiene en aquello que el hombre no ve, en los detalles de la naturaleza que no son perceptibles. Las artistas mexicanas han dispuesto en el LAB3 –la sala de experimentación sonora del Museo de Arte Moderno–, a manera de Ready-made,  un ecosistema tecnológico compuesto de  celdas bacterianas, muestras de tierras contaminadas de varios lugares de Medellín, un sistema octafónico de sonido, diferentes sintetizadores digitales, RaspberryPi, Arduinos y  lámparas alógenas de luz blanca sobre trípodes, con el objetivo de traducir el movimiento de las bacterias en movimientos lumínicos y sonidos.
Se trata de una instalación que muestra el proceso de comunicación entre microorganismo, máquina y ser humano. El movimiento de las bacterias es traducido a pequeñas corrientes de energía eléctrica, la cual  determina los patrones de  movimiento de las lámparas y estos, a su vez son leídos por software de análisis visual que los convierte en sonido.
Tan solo unos minutos en la sala son  suficientes para detectar, a partir de las cadencias y movimientos lumínicos, la existencia de esa ¨otra realidad¨ en la que conviven seres diminutos. Sin embargo, permanecer más tiempo en la sala es una oportunidad de captar lo sublime de la experiencia sonora. Es así como la obra nos invita a reflexionar sobre la manera de relacionamos con nuestro entorno y comprenderlo. La pieza, basada enteramente en la actividad biológica de los microorganismos, es capaz de hacernos conscientes de los diversos modos de vida, al mismo tiempo que cuestiona nuestro comportamiento al enfrentarnos con la otredad. Por lo tanto, nos invita  a ser más sensibles y a reconocer que otras formas de existencia son fundamentales para comprender la nuestra. Este trabajo es una forma de aproximación artística, científica, tecnológica y filosófica a la realidad; una práctica medial contemporánea donde la energía de otros entes se vuelve visible y audible. Visitar la exhibición es fundirse dentro de un universo sonoro y experimentar con la armonía que se genera a partir de las vibraciones. Enfrentarnos a esta obra significa la apertura de la conciencia a través del lenguaje colectivo de los sonidos.